Música y Alzheimer

21 Sept se celebrou el día Internacional del Alzheimer. Recomendo ver el trailer de "Las Voces de la memoria". Es un documental interactivo sobre Alzheimer y musicoterapia que narra la historia de un coro formado por enfermos de Alzheimer.

LA HISTORIA

El 26 de septiembre de 2010, el público congregado en el Palau de la Música de Valencia es testigo de un concierto único: un coro integrado por enfermos de Alzheimer interpreta un repertorio que incluye canciones populares, un himno gospel, o complejos ejercicios polifónicos. Este documental descubre cómo ha sido posible llegar hasta aquí, a través de meses de trabajo musicoterapéutico, además de permitirnos asistir al día a día de la convivencia de los enfermos y sus familiares con la demencia, y su asombro ante los beneficios de la música.

Mais info: http://www.zurdos.tv/lesveusdelamemoria/

Bobby McFerrin’s “Don’t Worry, Be Happy”: A Neuropsychology Reading

by Maria Popova

in http://www.brainpickings.org/index.php/2011/09/23/bobby-mcferrin-dont-worry-be-happy-neuroscience-psychology/

Unpacking the lyrics of the iconic happiness anthem to find surprising science-tested insights on well-being.

In 1988, Bobby McFerrin wrote one of the most beloved anthems to happiness of all time. On September 24 that year, “Don’t Worry Be Happy” became the first a cappella song to reach #1 on the Billboard Top 100 Chart. But more than a mere feel-good tune, the iconic song is brimming with neuroscience and psychology insights on happiness that McFerrin — whose fascinating musings on music and the brain you might recall from World Science Festival’s Notes & Neurons — embedded in its lyrics, whether consciously or not.

To celebrate the anniversary of “Don’t Worry, Be Happy,” I unpack the verses to explore the neuropsychology wisdom they contain in the context of several studies that offer lab-tested validation for McFerrin’s intuitive insight.

"In every life we have some trouble

When you worry you make it double"

Our tendency to add more stress to our stress by dwelling on it is known is Buddhism as the second arrow and its eradication is a cornerstone of mindfulness practice. But now scientists are confirming that worrying about our worries is rather worrisome. Recent research has found prolonged negative cardiac effects of worry episodes, following a 2006 study that linked worrying to heart disease.

"Here, I give you my phone number

When you worry call meI make you happy"

Multiple studies have confirmed the positive correlation between social support and well-being, and some have examined the “buffering model,” which holds that social support protects people from the adverse effects of stressful events.Harvard physician Nicholas Christakis has studied the surprising power of our social networks, finding profound and long-term correlation between the well-being, both physical and mental, of those with whom we choose to surround ourselves and our own

"Cause when you worry

Your face will frown

And that will bring everybody down"

Mirror neurons are one of the most important and fascinating discoveries of modern neuroscience — neurons that fire not only when we perform a behavior, but also when we observe that behavior in others. In other words, neural circuitry that serves as social mimicry allowing the expressed emotions of others to trigger a reflection of these emotions in us. Frowns, it turns out, are indeed contagious.

"Put a smile on your face"

Pop-culture wisdom calls it “fake it ’till you make it”; psychotherapy calls it “cognitive behavioral therapy“; social psychology call it story editing. Evidence abounds that consciously changing our thoughts and behaviors to emulate the emotions we’d like to feel helps us internalize and embody those emotions in a genuine felt sense. Paul Ekman, who pioneered the study of facial expressions, found that voluntarily producing a smile may help deliberately generate the psychological change that takes place during spontaneous positive affect — something corroborated in the recently explored science of smiles.

"Don’t worry, it will soon pass

Whatever it is"

In 1983, UCLA psychologist Shelley E. Taylor published a seminal paper [PDF] in the journal American Psychologist proposing a theory of cognitive adaptation for how we adjust to threatening events, based on evidence from a number of clinical and empirical studies indicating that we grossly overestimate the negative impact of the events that befall us, from cancer to divorce to paralysis, and return to our previous levels of happiness shortly after these negative events take place.

Arte transformada em terapia

Texto de: NUNO MIGUEL ROPIO

Pacientes do Hospital Júlio de Matos encontram no teatro forma de integração social

Oriundos de vários concelhos da Grande Lisboa, todos têm o mesmo objectivo: derrubar os muros que se erguem em redor das doenças mentais. Escolheram o teatro como terapia alternativa para combater a exclusão social.

"Sabe o que é normal e anormal? Sabe onde está a fronteira entre os dois?". As questões são colocadas, ao JN, por João Silva, encenador do Grupo de Teatro Terapêutico do Júlio de Matos, logo à entrada da sala de ensaios, instalada no primeiro andar do pavilhão principal daquele hospital, na Avenida do Brasil, em Lisboa. Ali, encontram-se, três vezes por semana, cerca de 15 pacientes que, através da arte, mostram uma outra face do fantasma das doenças do foro psiquiátrico.

Cerca de 10 minutos depois, não é difícil perceber as várias psicoses ou fobias dos actores. Enquanto que uns interrompem frequentemente os colegas, outros refugiam-se num silêncio atroz, do qual teimam em sair.

"Sempre sonhei fazer teatro, porque sentia aquelas vozes na minha cabeça que me diziam que era este o meu caminho. Mas pensava que não tinha jeito", admite Miguel Carvalho, de 42 anos, um dos actores. Intimidado, nunca levanta os olhos do soalho de madeira. "Sabe o que disse a minha irmã quando me viu pela primeira vez a representar? Agarrou-se a mim a chorar. Foi bonito", lembra.

A maioria dos elementos entrou no grupo - criado em 1968 - aconselhada pelos médicos que a acompanha no Júlio de Matos. Há ainda os que, exteriores à instituição, souberam da existência daquele tipo de terapia complementar à medicação, mas à qual só acederam através de uma declaração do seu psicólogo.

Os encontros entre actores e encenador, mais do que de uma discussão de temas para as novas peças, convertem-se em tertúlias, onde o assunto principal da conversa é a doença que os une. Naquele grupo, onde a permanência dos pacientes é muito variável, a antiguidade é um posto. E António Santana é o elemento que há mais tempo encarna as personagens desenhadas por João Silva.

Em 1982, a representação surgiu como um corte radical com uma vida inteira de internamento no Júlio de Matos, que já foi considerado um dos maiores e melhores hospitais psiquiátricos em toda a Europa. "Estive 22 anos internado num pavilhão. Dependia de imensos medicamentos, babava-me e rastejava. A minha vida era miserável", conta António, o mais calmo dos actores.

Com chegada de mais um paciente à sala, o grupo alarga-se numa enorme roda, composta ainda por terapeutas da fala e psicólogos. A maior parte tem vergonha em admitir publicamente a doença. "Comigo não vai falar, está a perceber?", grita, para o JN, incessantemente, uma outra actriz. Acaba por se levantar e caminhar para um canto da sala. Dali fica a observar o restante grupo.

"Temos de ter sensatez ao lidar com estes actores. Poderemos levar um ano de ensaios. E há um relacionamento que é preciso ir cultivando", traduz João Silva.

Fonte: http://www.jn.pt/paginainicial/pais/concelho.aspx?Distrito=Lisboa&Concelho=Loures&Option=Interior&content_id=965276

Imagem em: http://t3.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRom2Jfj4sz00uLrc6z76KL6T2FbdQ5X_893Rrr7oT7VPPNPo6BIg

O estudo da música desenvolve o raciocínio superior

A participação em actividades musicais aumenta a habilidade da criança para aprender matemática básica e leitura, relatam diferentes pesquisas recentes realizadas nos EUA e Alemanha. Os estudantes que participaram em programas de música obtiveram notas significativamente mais altas nos testes padronizados relativamente aos que não participaram. Por outro lado, o estudo de música desenvolve habilidades fundamentais para uma vida bem sucedida, como por exemplo, autodisciplina, capacidade para trabalhar em grupo e facilidade para a resolução de problemas.

Um grupo de pesquisadores da Universidade de Munster, Alemanha, observou que o facto de ter aulas de música na infância aumenta o tamanho do cérebro. A área cerebral que se utiliza para analisar o tom de uma nota musical, por exemplo, é 25% maior nos músicos, em comparação com as de pessoas que nunca tocaram um instrumento. As descobertas indicam que a área cerebral aumenta com a prática e a experiência, pois, quanto mais jovens eram os músicos quando iniciaram o aprendizado musical, maior é essa área em seus cérebros.

Um outro grupo de pesquisadores que estuda a ligação entre música e a inteligência informa que, em crianças, a aprendizagem musical supera a instrução de informática no que se refere ao estímulo das habilidades de raciocínio matemático e ciências.

Essas descobertas foram publicadas numa edição da revista Neurological Research, e são o resultado de dois anos de experiências em crianças em idade pré-escolar, dirigidas pela psicóloga Dra. Frances Rauscher, da Universidade de Wiscosin em Oshkosh, e pelo físico Dr. Gordon Shaw, da Universidade da Califórnia, em Irvine, EUA.

Os seus estudos revolucionários sugerem a forma pela qual a música pode aumentar a habilidade de raciocínio espacial. A experiência incluiu três grupos de crianças em idade pré-escolar. Um grupo recebeu aulas particulares de piano e aulas de canto; um segundo grupo, recebeu lições de informática; o terceiro grupo, não recebeu qualquer treino. As crianças que passaram pelo treino de piano obtiveram resultados 34% mais altos nos testes que mediam as habilidades "têmporo-espaciais", em comparação com os outros grupos. "Têmporo-espacial"é a capacidade de raciocínio proporcional, necessário aos estudos como: proporções, fracções epensamento no espaço e no tempo. Esta evidência sugere que o estudo da música aumenta as funções cerebrais superiores exigidas para aprender matemática, xadrez e engenharia.

As implicações destes e de outros estudos que vêm sendo realizados podem mudar a forma como os educadores consideram actualmente o currículo escolar, incluindo o estudo da música no quotidiano. Cientistas argumentam que, se mais administradores escolares estivessem a par deste tipo de pesquisas, não mudaria apenas o conteúdo dos currículos, mas matérias como língua estrangeira e geometria seriam ministradas mais cedo às crianças; a música e ginástica seriam requisitos diários.

Algumas escolas, como as da linha da Pedagogia Waldorf, já reconhecem esta ideologia desde a sua inauguração há cerca de um século, através do filósofo alemão Rudolf Steiner.

Os alunos iniciam diariamente suas aulas com a prática em conjunto de flauta doce, que contribui também para harmonização do grupo da sala de aula. Utilizam também as formas geométricas para crianças antes mesmo do foco na alfabetização, como forma de preparar a coordenação motora fina para o traçado das letras. A arte dramática inicia-se cedo, com as mais variadas linguagens. A partir do segundo ano, por exemplo, as crianças recebem um verso no início do ano, que terão que declamar para toda a classe uma vez por semana. As artes dramáticas vão evoluindo, onde no oitavo ano, os alunos se preparam por todo o ano para uma apresentação para toda a comunidade escolar de uma peça teatral muito bem estruturada, digna de ser apresentada em qualquer casa de espetáculos culturais. A música e a arte permeiam todo o ensino do currículo pedagógico Waldorf e são a própria base para o desenvolvimento cognitivo e do carácter do aluno.

"A música é um instrumento educacional mais potente que qualquer outro"

disse certa vez Platão. Agora os cientistas sabem o porquê.

Bibliografia: http://musicoterapia-mc.zip.net/

Especialistas começam a construir Casa de Sonhos para crianças autistas

Um grupo de especialistas de saúde mental está a criar um centro de tratamento e investigação para crianças e jovens autistas, com o objectivo de apoiar famílias de todas as classes socioeconómicas. A médica Maria José Vidigal explicou à agência Lusa que a Casa dos Sonhos é um projecto que está a dar os primeiros passos para intervir junto das famílias de crianças com problemas da área do autismo.

Considerada pela especialista como a “doença mais grave da infância”, o autismo precisa ainda de muita análise e investigação.

Neste projecto privado, mas com vertente de solidariedade social, os especialistas não querem privilegiar “uma classe em relação às outras”. “Ainda não temos tudo completamente definido, mas em princípio as famílias pagarão conforme as suas possibilidades. Não queremos excluir ninguém”, refere a médica, que dedicou as suas décadas de trabalho a crianças com estes problemas.

O objectivo é trabalhar com pais de crianças “com inquietações na área da saúde mental”, para fazer “um diagnóstico o mais fino possível”.

Consoante os casos e as idades das crianças e jovens, o centro terá vários tipos de terapia, desde a psicoterapia à terapia da fala, passando pela musicoterapia.

Além do autismo, pretende-se também estudar outros tipos de patologia, incluindo problemas de comportamento.

“É um projecto muito ambicioso”, assume Maria José Vidigal, indicando que a Casa dos Sonhos vem “colmatar uma lacuna, sobretudo na formação dos profissionais mais novos”.

Contra a ideia de que tudo se resolve apenas com medicação, estes especialistas pretendem um “acompanhamento integrado”, recusando sempre que possível ter crianças internadas: “Queremos as crianças nos seus meios familiares e escolares”.

Por agora, a Casa dos Sonhos ainda não tem instalações dignas do nome do projecto, por isso a solução passará por pedir apoios financeiros para a cedência de um espaço em Lisboa que dê corpo a este sonho.

FONTE:

Especialistas começam a construir Casa de Sonhos para crianças autistas - Sociedade - PUBLICO.PT

Imagem acedida em:

http://t2.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTwwwYigLImsSjNS6tSKZCnxWtchYOKUvugZxZz_IRGK-5nGvIjeA

Expressive Therapies II

All of the arts therapies share features that distinguish them from what has been called “the talking cure” – a primary commitment to expressive action that engages emotions in a direct and physical way; an ability to generate creative energy as a healing force for mind, body, and spirit; and a belief that the creative imagination can find its way through our most perplexing and complex problems and conflicts.

Spoken language has many limits when it comes to communicating the total range of human emotions and experience, and the psychological realization that diverse forms of symbolic expression fulfill basic human needs. Cathy Malchiody uses the term “Expressive therapies” to designate the use of all of the arts in therapy. She define the term as an attempt to build bridges among the modalities and to create a strong new professional area that could participate as a peer with the older and larger disciplines of psychiatry, psychology and social work.

The use of arts in healing has deep and lasting roots in human experience. The original expressive therapists were inspired by visions of what the arts and the creative spirit can bring to the mental health field. The practice of expressive therapies that first took place in mental hospitals and clinics has now expanded to schools, hospices, community centers, disaster relief programs, churches, prisons, courts, cultural institutions, the workplace, and every conceivable setting committed to responding to the creative needs for people. All of a person’s expressive faculties dramatically enacting a conflict can offer insights and solutions that cannot be accessed through more linear verbal discussions. Jung experienced how the process of creation, without reliance on verbal explanation, heals by generating life-enhancing energies that revitalize the soul.

While talk is still the traditional method of exchange in therapy and counseling, practiotioners of expressive therapies know that people also have different expressive styles, one individual may be more visual, another more tactile, and so forth. When therapists are able to include these various expressive capacities in their work with clients, they can more fully enhance each person’s abilities to communicate effectively and authentically. For a child who has limited language, or elderly person who has lost the ability to talk because of a stroke or dementia, or a trauma victim who may be unable to put ideas into speech, expression through art, music, movement or play can be ways to convey oneself without words and may be the primary form of communication in therapy.

The therapeutic use of art, play or sandtray can augment the productive use of imagination, helping the individual discover and develop corrective solutions leading to change, resolution and reparation.

Info at: Malchiodi, C. (2005). Expressive Therapies. New York, The Guilford Press

Image at: http://www.derby.ac.uk/images/dr_5e84a02384b965569a9d001059238aa2.jpg

La Musica en Musicoterapia

Distintas concepciones de música

«Cuando una persona está abierta, recibe a la música y se deja penetrar por ella, pasiva o gozosamente. Pero también la música recibe, contiene o es invadida por quien la necesita y sale a buscarla de manera activa. Entrar en la música es como entrar en el agua. La posibilidad de experimentar una sensación de bienestar depende tanto del grado de necesidad individual como de las temperaturas relativas de la persona y del agua. Cuando se siente calor, reconforta sumergirse en el agua fresca, pero si no se está acalorado ésta puede ser rechazante. Aun en el caso de una gran necesidad, el contraste excesivo de temperaturas podría resultar contraproducente» [Hemsy de Gainza 1997].

Flower Meadow Tube Crocosmia © Andrea Geile 2008. Photo: © M. Wolchover

Cuando preguntamos ¿Qué es música?, la respuesta suele ser compleja, variada y llena de matices: armonía, expresión, sentimiento, alegría, plenitud, encuentro, y equilibrio.

La música se puede definir como «el arte de organizar los sonidos en el tiempo y sus variados componentes físicos y experimentales, para el propósito de crear e interpretar las formas expresivas que elaboran o dan significado a la experiencia de la vida humana». Por su condición de «arte ambiental, para ser habitada, capaz de propiciar atmósfera, edificio sonoro sobre el aire»; arte ambiguo, por su «actividad edificante sobre el inexorable eje fluido del sucederse del tiempo», apreciaciones de Eugenio Trías [2003]; discurso sonoro que no tiene significado, lenguaje de lo inefable; arte fonético, espiritual y subjetivo, poseedor de una belleza más íntima que las artes plásticas; «arte que se apodera de los sentidos antes de ser comprendido por la razón» [Rolland 1955], presenta unas particulares dificultades a la hora de ser mostrado para su comprensión y disfrute.

Existen algunos principios fundamentales de la música que, aun siendo repetidamente comentados por muy conocidos libros de difusión musical, son generalmente olvidados por quienes llevan a la práctica las labores de acercamiento a la música. Por ello, me gustaría comentarlos brevemente:

1. La música es lenguaje del tiempo, es decir, nos aplica su tiempo a quienes la oímos. Es activa, fluyente, sin marcha atrás posible, discursiva y ordenada: su sentido nace por la ordenación de los sonidos. La música se ordena según un principio general de repetición, con tres ideas básicas de organización musical: la simetría, el contraste y la variación. De esta manera surge el ritmo, la melodía y las secuencias; todo ello es el fundamento de la forma de la música.
2. Nuestra memoria reproduce la forma, o sea, sigue los recorridos que dibujan los sonidos. El compositor puede sorprendernos, provocarnos, jugar con nosotros, pues nuestra misión como oyentes es la de relacionar unos con otros los momentos de la obra y seguir expectantes una dirección.
3. Nosotros no podemos explicar lo que quiere decir la música. Ella pregunta y responde sin que nosotros sepamos qué; accedemos a un nivel de entendimiento intuitivo y sensible, sólo su contenido está abierto a interpretación, ya que el significado de la música asoma por el juego que se establece entre sus elementos. El código de signos del que se sirve no nos expresa nada fuera de sí mismo, incluso tenemos la necesidad del conocimiento de dicho código, de su retórica y vocabulario si queremos comprender lo que nos expone.
4. “La música no es pura pintura de sentimientos ni es tampoco pura forma, sino que es ambas cosas”, nos decía de manera acertada Hanslick [1947]. En efecto, la creación pura y llanamente formal de la música es prácticamente imposible, pues siempre hay un juego emocional, inseparable del acto de la creación. Del mismo modo, toda obra musical, por muy abstracta que sea, es susceptible de suscitar evocaciones poéticas o de imágenes por parte de un oyente imaginario. Nunca debemos olvidar que la música, arte y ciencia a la vez, es un tipo de expresión universal que nos habla íntimamente a cada uno de nosotros, y que su campo de expresión no conoce límite alguno: puede expresar tanto tragedia como serenidad, alegría o tristeza; esa expresión emotiva es transmitida por medio de símbolos que liberan la función auditiva, tanto emocional, como afectiva e intelectualmente. Yehudi Menuhin, ante la insistente pregunta: «¿Qué significa para usted la música que interpreta?», solía contestar: «La diferencia fundamental entre la música y el lenguaje hablado es que las palabras se refieren, ante todo, al mundo que nos rodea; la música, en cambio, se refiere especialmente a nuestro ser interior».
5. Hay músicas que se nos presentan a veces como una trama de ideas literarias y/o imágenes mentales, que se evocan o recuerdan por medio del sonido: son las descriptivas, o de programa (incluso hay compositores que bosquejan de antemano un plan emocional que sus oyentes deberán revivir). Otras son impresionistas o sugestivas: simplemente con un título pictórico o literario, definen un estado de ánimo (recordemos, por ejemplo que a Schumann se le ocurrían los títulos después de componer cada una de las Escenas de niños).

Cuando preguntamos ¿Qué es música?, la respuesta suele ser compleja, variada y llena de matices: armonía, expresión, sentimiento, alegría, plenitud, encuentro, y equilibrio.

La música goza de propiedades únicas para conmovernos tanto emotiva como físicamente, de filtrarse por lo más íntimo de nuestra razón, de asombrar a nuestro cerebro y abrir las puertas hacia la maquinaria que rige nuestros sentimientos y emociones. «El misterio del hombre tiene en la música su clave soterrada de sentido», nos dice Lévi-Strauss [1994]; «La música es nodriza de la lógica por su condición de pre-lenguaje», comenta Trías [ib.]. No cabe duda, para adentrarnos –y adentrar a nuestros alumnos- en el conocimiento de nosotros mismos y de los demás, en la comunicación con nuestros semejantes, en la apreciación del mundo y de sus manifestaciones, la escucha de la música juega un papel educativo de suma importancia que rebasa el objetivo musical para colocarse en el de las relaciones humanas.

Sin embargo no hay forma de definir qué es música sin imponer algunos de los valores culturales implícitos en el lenguaje. Una característica notable de la música ha sido su capacidad de ser reconocida como medio terapéutico a lo largo de toda la historia occidental a pesar de los conceptos mutantes de salud y terapia.

Funciones de la música

La música es una forma de arte valorada a lo largo de toda nuestra vida. Este hecho, que puede ser disfrutado y valorado por personas de todas las edades, contribuye a su flexibilidad como herramienta terapéutica. Hay otras maneras en las que la música demuestra ser un arte flexible y utilizable.

1. Expresión emocional y comunicación.

La música se ha asociado a menudo con la expresión emocional, incluso se le ha denominado «el idioma de las emociones». Así, como proveedor de emociones juega un importante papel en la sociedad, ya que proporciona un vehículo de expresión a las ideas y emociones que de otro modo no encontraran una forma de mostrarse fácilmente. Observemos por ejemplo casos de dolor y pérdida donde es muy difícil encontrar palabras adecuadas que expresen nuestros sentimientos más profundos. Si nos fijamos en las reivindicaciones sociales y movimientos culturales y sociales, observaremos como la música resulta una manera aceptable de expresar ideas que de otro modo hubiesen podido resultar polémicas o inaceptables.

Rhubarb House © Andrea Geile 2004. Photo: © M. Wolchover

Otro ejemplo que nos ilustra hasta que punto la música, como idioma no verbal, puede llevar a pensamientos o ideas podemos encontrarlo en las bandas sonoras de las películas y la televisión. Sus anuncios son otro ejemplo de cómo la música contribuye al significado del mensaje.

Podemos resumir diciendo que la música es una forma de comunicación no verbal que puede transmitir mensajes emocionales; influir o reflejar el estado de humor del oyente y puede usarse para intensificar, ampliar o modificar la información oral o visual de la situación observada o vivida.

¿Por qué se usa la música como expresión de emoción?

Nosotros trataremos de exponer aquí dos puntos de vista diferentes:

1. El sonido de la música nos recuerda o refleja emociones y acontecimientos no musicales. (Punto de vista referencial). Este término refleja la creencia de que el significado que sé le dota a la música procede de las conexiones que el oyente hace entre la música y algún objeto y o acontecimiento.

   a) Imitación de sucesos u objetos no musicales. Podríamos encontrar numerosos ejemplos en la búsqueda de imitaciones de los sonidos de la naturaleza, pero también en otras características más estructurales de la música. Por ejemplo, la depresión es un sentimiento que produce expresiones faciales inclinadas, etc. Musicalmente podría reflejarse a través de un tiempo lento, escalas descendentes, etc.

   b) Asociación de canciones o estilos musicales a recuerdos y sentimientos de acontecimientos pasados.
   Un ejemplo de esta situación pueden ser algunos himnos o canciones que evoquen los sentimientos de excitación y espíritu de equipo; la música chillona y discordante de los momentos cruciales de las películas de terror, etc.

2. Sin embargo a veces podemos dar una respuesta emocional a una música que no hemos oído antes.

Son las características estructurales de la propia música, como oposición a las asociaciones extramusicales, las que provocan sentimientos y emociones. (Punto de vista expresionista).

Según la teoría del psicólogo Berlyne [1971], nuestros sentimientos serán agradables si la música está en un nivel óptimo o ideal de complejidad o familiaridad. Si la música presentada es demasiado compleja o poco familiar producirá en el oyente sentimientos de confusión, caos e incomodidad. Por el contrario si la música es demasiado simple o e ha oído muchas veces y le falta frescura el oyente puede sentirse aburrido e insatisfecho.

De cualquier forma, desde el punto de vista musicoterapéutico también es importante considerar la música como un medio para crear una situación comunicativa donde existe un número infinito de posibles representaciones de la música.

2. Representación simbólica.

Además de comunicar emociones, la música lleva significado simbólico. Los símbolos expresados con la música actúan diferente según el contexto cultural.

Así por ejemplo en la cultura occidental, la música se ha organizado alrededor de tonos y semitonos que constituyen escalas y modos. Frecuentemente hemos asociado el modo mayor con los sentimientos felices, positivos, mientras la música de tono menor tiene a menudo connotaciones de melancolía y tristeza. Sin embargo, la música de la India está organizada en intervalos más pequeños. Así, si escuchamos la música tradicional india por primera vez la encontraremos difícil de organizar y entender según los parámetros de nuestra propia cultura. También nos costará interpretar los sentimientos emocionales expresados por ésta. En resumen estos usos simbólicos convencionales de la música connotan un significado compartido para las personas con el mismo sustrato cultural y de este modo actúa eficazmente como canal de información. Cada cultura representará sentimientos, valores culturales u otros ideales abstractos a través de sus propios símbolos musicales.

3. Vehículo de expresión de normas e ideologías dominantes.

Cuando los terapeutas utilizan la música, es importante comprender que cada cultura y cada época tiene su propia herencia musical.

Frecuentemente la música, como soporte cultural, puede ayudar al individuo en su demanda por encontrar significado a su vida y para mejorar la calidad de la misma.

4. Socialización.

La música es la más social de todas las artes, ha sido experiencia común de todos los tiempos. En si misma es una poderosa influencia integradora, aporta un sentimiento de orden, de tiempo y de continuidad, los sonidos que penetran dentro del grupo son percibidos por todos, creando un clima emocional.

La interacción social y la socialización es un objeto terapéutico en casi todos los órdenes y/o discapacidades, por lo que las experiencias musicales en grupo son utilizadas muy a menudo donde los elementos de ritmo, melodía y armonía requieren un nivel de orden y estructura creados por el propio grupo y donde, además es esta misma producción musical la que proporciona una válvula emocional al individuo y el grupo.

5. Goce estético y diversión.

La música consta de ambos sentidos en todas las culturas, y ambas funciones cumplen necesidades humanas importantes. Según E. Thayer Gaston [1968], el envolvimiento en una experiencia musical que contenga un valor estético puede contribuir por sí misma a la mejora de la autoestima y autorrealización. De modo semejante Maslow [1972] sostiene que la experiencia estética es crucial para el desarrollo de la persona, pero siempre después de tener cubiertas las necesidades fisiológicas básicas. Muchos terapeutas han reconocido que las personas con discapacidad necesitan y tienen derecho a participar en actividades estéticas como parte de la experiencia humana.

La música como diversión o recreativa también ocupa un lugar en la sociedad y de algún modo contribuye a un bienestar físico y emocional. Las personas buscamos actividades que nos liberen de la tensión de un día de trabajo difícil o para ayudarnos a despejar nuestra mente de los pequeños o grandes problemas cotidianos. La música, como forma de relajación contribuye a mejorar nuestro estado de salud físico y mental.

6. Respuesta física.

El fenómeno físico de las vibraciones mecánicas (se dice que un cuerpo vibra cuando está realizando un movimiento oscilante respecto a una posición de referencia) es capaz de estimular en determinadas condiciones tres de nuestros receptores sensoriales: receptores propioceptivos, tacto y audición.

Si observamos el espectro de las oscilaciones y vibraciones mecánicas podemos esquematizar diciendo que los movimientos mas lentos escapan a nuestra percepción sensorial al igual que los más rápidos. Al ir aumentando la frecuencia de las oscilaciones, éstas pueden ser percibidas en principio por los receptores situados en las masas musculares (que nos informan de la tensión o fuerza que los mismos desarrollan para guardar el equilibrio postural), receptores propioceptivos que, junto con el aparato vestibular y la vista, constituyen la triada informativa de nuestra posición en el espacio. Si las oscilaciones aumentan de frecuencia, son ya los receptores táctiles los que nos dan cuenta de su presencia. Así en progresión creciente vemos cómo las vibraciones comienzan a producir sensación auditiva, sin abandonar el estímulo táctil simultáneo. Por fin, próximas a los 1000 Hz dejan ya de penetrar por el tacto y se hacen clara y exclusivamente auditivas, y por último, por encima de los 15.000 Hz, sin cambiar nunca su naturaleza de oscilación mecánica, recibe la denominación de ultrasonidos, ya que nuestro receptor auditivo no es capaz de transformar su presencia en sensación.

Como la sensación auditiva y la táctil son de importancia básica en los procesos de rehabilitación, resulta inexcusable partir de una rica estimulación sensorial. Trabajos realizados sobre el uso de la música de baja frecuencia han resultado eficaces para el alivio del dolor, espasmos musculares y de gran eficacia sobre el tejido pulmonar, que afloja las secreciones del pulmón en los pacientes con fibrosis quística, bronquietisis e infecciones del pecho, etc. Ciertamente, el organismo humano puede ser considerado como un instrumento resonante, lo mismo que como un instrumento rítmico, sensible a la música. Los instrumentos musicales que ha inventado el hombre son en esencia una prolongación de su propio cuerpo, manejados por sus impulsos físicos. El cuerpo y el instrumento no son entes separados: se complementan. Esta característica permite al ejecutante identificarse físicamente con su instrumento mediante un contacto perceptual indispensable para crear una respuesta emocional. Cualquiera que sea la motivación emocional que lo acompañe el canto o la ejecución de un instrumento musical es un proceso físico. Requiere la aplicación de un dominio muscular y motor, y una apreciación espacial. Aún en los niveles inferiores, requiere alguna percepción auditiva y táctil sin la cual no constituye una válvula de descarga emocional.

Bibliografía

• Berlyne, D. E. [1971], Aesthetics and psychobiology, Nueva York: Appleton- Century- Crofts.
• Gaston, E. Thayer at all [1971], Tratado de musicoterapia, Buenos Aires: Paidós.
• Hanslick, E. [1947], De lo bello en la música, Buenos Aires: Ricordi.
• Hemsy de Gainza, V [1997], La música como proceso humano, Salamanca: Ediciones Amarú.
• Lévi-Strauss, C. [1993], Mirar, escuchar, leer, Madrid: Siruela.
• Maslow, A. [1972], El hombre autorrealizado, Barcelona: Kairós.
• Rolland, R. [1955], Viaje musical al país del pasado, Buenos Aires: Ricordi.
• Trías, E. [2003], Lógica del límite, Barcelona: Círculo de Lectores.

In, http://www.sonograma.org/2011/01/la-musica-en-musicoterapia/, by Patxi del Campo